Öffnungszeiten während des Festivals

Do 3.9. – Mo 7.9. 10:00 – 20:30
Di 8.9. 10:00 – 18:00

Am 2. Jänner 2009 in Betrieb genommen, setzt das Ars Electronica Center Bereiche in Szene, die den größten und umstrittensten Innovationsschub entfalten: die Lifesciences – die Wissenschaften vom Leben. Hand in Hand mit der rasanten technologischen Weiterentwicklung, die immer leistungsfähigere Rechner und höher auflösende bildgebende Verfahren bereitstellt, erschließen diese Forschungsdisziplinen brisante Zusammenhänge. Erkenntnisse, die unser Menschen- und Weltbild in Frage stellen. Diese „Neuen Bilder vom Menschen“ rückt das Ars Electronica Center ins Rampenlicht. Atelier und Labor zugleich, zeugt das Haus von der Verwandtschaft von Kunst und Wissenschaft und der ewigen Faszination Mensch. Man verschreibt sich dabei weniger der Präsentation, als vielmehr der Produktion und Kreation. Herzstück ist die 1000 Quadratmeter große MainGallery. Ein Raum, in und mit dem KünstlerInnen und WissenschafterInnen, SchülerInnen und Studierende, Eltern und Kinder experimentieren, arbeiten und spielen. Eine spektakuläre Ausstellung, die keine technologischen Zusammenhänge in den Vordergrund stellt, sondern die konkrete Frage: Was bedeutet das für mich und mein Leben?

(Ars Electronica Center Ausstellungen: ars.electronica.art/center)

Alle Programmpunkte und Ausstellungen im neuen Ars Electronica Center ansehen

Das OK Offene Kulturhaus Oberösterreich präsentiert eine Auswahl der besten Projekte der Kategorien Interaktive Kunst und Hybrid Art des Prix Ars Electronica 2009.

Eröffnung:
03.09. 2009, 17.00 Uhr

Pressegespräch:
03.09. 2009, 11.30 Uhr

Öffnungszeiten:
Während des Festival Ars Electronica 10.00 – 22.00 Uhr
Ab 10. September 11.00 – 22.00 Uhr

Alle Projekte von Cyberarts 2009 ansehen

Brucknerhaus

Alle Projekte der Human Nature Exhibition ansehen

Do 3.9. – Di 8.9. 2009
10:00 – 19:00
Brucknerhaus

Die „History Lounge“ nimmt Sie mit auf eine Zeitreise – nicht in Form
einer enzyklopädischen Aufarbeitung der Medienkunstgeschichte, sondern
mittels persönlicher Erinnerungen und individueller Highlights. Erleben Sie
in Projektpräsentationen und Talks jene ProtagonistInnen, die mit ihrer
Leidenschaft, ihrer Kompetenz und ihren künstlerischen Arbeiten seit 30
Jahren den Erfolg der Ars Electronica ausmachen.

Project Management: Petra Fohringer, Cornelia Mayrhofer

Alle Projekte von History Lounge ansehen

David Rokeby: Very Nervous System, 1983-94, Version 1991

Öffnungszeiten:
28. August 2009 – 10. Jänner 2010
Täglich 10.00 – 18.00 Uhr, Do 10.00 – 21.00 Uhr

Lentos Kunstmuseum Linz, Ernst-Koref-Promenade 1, 4020 Linz
www.see-this-sound.at

Versprechungen von Bild und Ton

Im Museum tönt und lärmt es, denn Künstlerinnen und Künstler beschäftigen sich heute ganz selbstverständlich mit dem Klang dieser Welt. Die einstige Vorherrschaft des Visuellen ist mittlerweile ersetzt durch ein vielfältiges Wechselspiel von Bild und Ton. See this Sound dokumentiert diese Entwicklung aus der Perspektive der bildenden Kunst und verweist auf die jeweiligen zeitgenössischen Diskussionen und Versprechungen.

Die Ausstellung fokussiert in acht Bereichen wichtige Wegmarken und historisch-soziale Bezugspunkte, ohne jedoch eine lineare Entwicklung vorzugeben. Ausgehend von den filmischen Klangvisualisierungen der 1920er-Jahre – der sogenannten Augenmusik – geht sie dem Topos der Überschreitung von Gattungsgrenzen in den 1960er-Jahren nach und befragt psychedelische Trancemaschinen genauso wie multimediale Soundenvironments nach ihrem gesellschaftspolitischen Potenzial. Der Illusion eines „natürlichen“ Zusammenspiels von Bild und Ton etwa im Hollywood-Kino treten schließlich Arbeiten entgegen, die die Diskrepanzen dieser vermeintlichen Synthese offenlegen, bis hin zum Verlust von Ton und Sprachmächtigkeit. Ein besonderes Augenmerk gilt außerdem den lokalen Produktionsbedingungen von Sounds (Industriestädte und Industrial Music) sowie dem Ton als Medium der Institutionskritik.

Durch die Zusammenarbeit mit dem Ludwig Boltzmann Institut Medien.Kunst.Forschung werden auch spezifische medienhistorische Fragestellungen im Rahmen eines Webarchivs wissenschaftlich aufbereitet und in der Ausstellung präsentiert.

Künstlerische und wissenschaftliche Leitung: Stella Rollig und Dieter Daniels
Kuratorin: Cosima Rainer
Assistenz Kuratorin: Manuela Ammer
Projektkoordination: Veronika Floch
Wissenschaftliche Mitarbeit LBI: Sandra Naumann

Foto: Agnes Miesenberger

Mi 2.9. –  Di 8.9. 2009
18.00 – 22.00 Uhr

Grand Hotel Cafe zum Rothen Krebsen, Obere Donaulände 11, 4020 Linz

fabriqueee / Institut für erweiterte Kunst
http://www.roterkrebs.net/

Laut und vor allem bildkräftig wird die Ankunft in einem neuen Zeitalter verkündet und mit einer Gewissheit von künftigen Welten gesprochen, als wäre die gute alte Wahrsagerei rehabilitiert und zugleich zur echten Wissenschaft erklärt worden. Nostradamus und die Sibyllen scheinen im Kollektiv wieder auferstanden, um nun nichts mehr der Deutung zu überlassen. Ausgestattet mit Diplomen, neuester Technologie und viel Geld zeichnen sie uns die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft des Menschen vor. Seine Erfolge, seine Rückschläge, seinen Körper, seine Umwelt, je nach Geschmack und Auftraggeber. Fasziniert und eigentümlich fatalistisch sehen wir zu wie unser Schicksal vor uns entrollt wird.

Die Gruppe „fabriqueee“ kann dem nicht so recht trauen und richtet ihre Aufmerksamkeit auf eine schon etwas ältere, so alltägliche wie unheimliche (Selbst)Erkenntnismaschine des Menschen, bei der Gewissheit und Täuschung immer schon Hand in Hand gingen: Den Spiegel.

Aus diesem Ansatz heraus entwickeln die Mitglieder der Gruppe entlang einer modularen Arbeitsweise verschiedene Einzelprojekte, die von Installationen über Apparaturen, Plastiken und Objekte bis hin zu Animationen und Visualisierungen reichen, um im „Grand Cafe zum Rothen Krebsen“ letztlich ein spielerisches Raumgefüge zur erzeugen, das alles verspricht nur keine Gewissheit und vermeintlich sichere Erkenntnis.

An den sieben Abenden der Woche des Ars Electronica Festivals wird „fabriqueee“ in Zusammenarbeit mit dem „Institut für erweiterte Kunst“ die Möglichkeit eröffnen “das Innere der Discokugel” zu erkunden. Was links ist ist rechts, was oben ist, ist unten.

„fabriqueee“ sind Jakob Breitwieser, Fabian Krenn, Matthias Lindner, Pamela Litzlbauer, Agnes Miesenberger, Sandra Li Lian Obwegeser und Joseph Reitsberger; Studierende der Kunstuniversität Linz, Abteilung Experimentelle Gestaltung.

Eröffnung:
Do 3. 9. 15:00

Ausstellung:
Do 3. 9. – Di 8. 9. 10:00 – 19:00

Campus, Kunstuniversität Hauptplatz

Curated by Hiroshi Ishii (US) & Amanda Parkes (US)
A cooperation of Ars Electronica, University of Art and Industrial Design Linz and MIT Media Lab/US.

*Die Probleme, vor denen wir stehen, lassen sich mit Sicherheit nicht lösen, wenn wir die moderne Welt, die auf der Integration von Wissen beruht, nicht besser verstehen. Die Ausbildung von Humanisten muss auf einer hohen Wertschätzung der modernen Wissenschaft basieren. Wissenschaftler und Techniker müssen sich ihrerseits an humanistischen Werten orientieren. Und jedes Lernen muss mit einem tiefen Interesse an den komplexen Auswirkungen der Technologie auf die Entwicklung unserer Kultur verknüpft sein.*

Jerome B. Wiesner (Mitbegründer des MIT Media Laboratory, 1915–1994)

Die Campus-Ausstellung der Ars Electronica 2009 zeigt aktuelle Arbeiten der Fakultät und der Studenten des *MIT Media Lab* in Cambridge, Massachusetts. Das Media Lab verfolgt seit seiner Gründung vor fast 30 Jahren einen unorthodoxen Forschungsansatz, um die Auswirkungen neuer Technologien auf den Alltag zu antizipieren – Technologien, die eine grundlegende Veränderung der Auffassungen von menschlichen Fähigkeiten versprechen. Das Lab zieht Designer, Softwareentwickler, Techniker, Künstler und Wissenschaftler mit unterschiedlichstem beruflichen Hintergrund an. Um die hier arbeitenden Menschen zu koordinieren, bedarf es einer ganz besonderen Leidenschaft, Schwungkraft, Dynamik – eines kreativen und innovativen *IMPETUS*, um einen Wandel einzuleiten. Die Bandbreite der Forschungsbereiche des Media Lab geht über traditionelle Technologie, Design oder künstlerische Environments hinaus. Man kann das Lab vielmehr als ein permanentes Experimentierfeld verstehen, in dem Innovation, Kooperation und Kritik gefördert werden. Es ist eine Umgebung, in der Inspiration aus Differenz entsteht und der schöpferische Antrieb aus inhärent transdisziplinären Ansatz resultiert.

Das MIT Media Lab besteht aus 30 verschiedenen Forschungsgruppen, die so unterschiedliche Disziplinen wie interaktives Design, Robotik, künstliche Intelligenz, Bildung, Nanotechnologie, Musik, Neurotechnik, Materialkunde, Visualisierung, soziale Netzwerke, urbane Infrastrukturen, Produktion und politische Kunst umfassen, und – unbehindert von Einteilungen in herkömmliche Disziplinen – in gemeinsamen Räumen, Kursen und Projekten zusammenarbeiten. Die Studenten verfügen zwar über spezifische Fachkenntnisse, werden aber ermutigt, neue Bereiche zu erforschen, um ihren Horizont zu erweitern. Während der Ausbildung am Media Lab erfährt man in erster Linie, wie innovative Prozesse ablaufen. Ziel der Arbeit ist es, Technologien zu entwickeln, die Menschen aller Altersstufen, aus allen sozialen Schichten aller Gesellschaften befähigen, selbst neue Möglichkeiten für sich und ihre Gemeinschaften zu entwickeln und zu erfinden. Einzigartig an der Struktur des Lab ist unsere Kooperation mit Sponsoren aus der Industrie, welche die Forschungsarbeit – basierend auf dem Modell gemeinsamer Rechte an geistigem Eigentum – unterstützen und dafür sorgen, dass das Lab den Anschluss an Themen, die sich in der realen Welt im Unternehmensumfeld und der gesamten Gesellschaft stellen, nicht verliert.

Das Media Lab wurde 1980 von Professor Nicholas Negroponte und dem ehemaligen MIT-Präsidenten und wissenschaftlichen Berater von Präsident John F. Kennedy, Jerome Wiesner, konzipiert. Das Lab ging aus der Architecture Machine Group des MIT hervor und gehört nach wie vor zur MIT School of Architecture and Planning. 1985 wurde das Media Lab in dem von I.M. Pei entworfenen Wiesner Building eröffnet. Im ersten Jahrzehnt übernahm es eine führende Rolle im Bereich der Technologie, die die „digitale Revolution“ ermöglichte und die menschlichen Ausdrucksmöglichkeiten förderte: Die innovative Forschung erstreckte sich von den kognitiven Grundlagen des Lernens über elektronische Musik bis hin zur Holografie. Im zweiten Jahrzehnt holte das Lab die Datenverarbeitung aus ihrem Gehäuse und verknüpfte die Bits der digitalen mit den Atomen der realen Welt, was die Forschung in den Bereichen Wearable Computing, drahtlose „virale“ Kommunikation, Maschinen mit Bewusstsein, neue Formen künstlerischen Ausdrucks und innovative Lernansätze für Kinder erweiterte.

Auch heute, im dritten Jahrzehnt seines Bestehens, geht das Media Lab nach wie vor über traditionelle Disziplinen hinaus. Im kommenden Herbst werden wir expandieren und unsere Räumlichkeiten um ein neues, von Fumihiko Maki im Stil eines Ateliers entworfenes Gebäude erweitern, in dem wir konzeptgesteuerte Forschung weiterentwickeln und experimentell erproben, wie Menschen Technologie erfahren und nutzen können.

Die Campus-Ausstellung der Ars Electronica zeigt eine Auswahl neuer und aktueller Arbeiten aus dem Lab – einen Querschnitt wegbereitender Technologien, die auf die Kraft von Design und Ästhetik setzen, um interaktive Erfahrungen zu transformieren und zu metamorphisieren. Die Intention dabei ist, die Arbeit in einem breiteren gesellschaftlichen Kontext zu positionieren, um die Auswirkungen der Technik – seien es positive oder negative – auf das soziale Gefüge besser zu verstehen. Für diese Ausstellung boten sich drei Subthemen an – Gemeinschaft, Humanität und Materialität –, die im Großen und Ganzen den konzeptuellen Schwerpunkt unserer Forschung umfassen und einen Brückenschlag zwischen einer humanistischen Perspektive, die zentraler Bestandteil unseres Ansatzes ist, und der Technik und Wissenschaft, die den Ruhm des MIT begründen, ermöglichen.

Gemeinschaft

Die Entwicklung neuer Medientechnologien hat eine Revolution in den Bereichen Kommunikation und Wissensaustausch ausgelöst. In den letzten Jahren arbeitete das Lab an mehreren Systemen, die den Informationszugang fördern und demokratisieren und die soziale Infrastruktur in konkreter und virtueller Hinsicht neu definieren. Einige dieser Systeme setzen auf neuartige Methoden des Information Mapping in Raum und Zeit, während bei anderen urbane Transportsysteme und Energieprozesse im Fokus stehen. Die Forscher des Lab haben auch reale und digitale Plattformen entwickelt, die Kreativität durch erleichterten Zugang zu Wissen fördern, wodurch sich die Ausbildungsmethoden für alle Altersstufen verändern. Das Lab unterstützt die Amateure der DIY-Initiativen der Open-Source Gemeinschaften und im Bereich partizipatorisches Design durch Produkte und Instrumente, die den Entwicklungsprozess von Technologien strukturieren. Charakteristisch für die Initiative ist das Konzept kollektiver Intelligenz, bei dem das Wissen einer heterogenen Expertengemeinschaft gebündelt und auf noch nie da gewesene Weise die Bildung virtueller Gemeinschaften ermöglicht wird. *IMPETUS* präsentiert Projekte, die erforschen, wie digitale Technologien unseren Zugang zu und unsere Interpretation von Information verändern und den Lernprozess, unser Tun und Denken, sowie kognitive Prozesse fördern.

Humanität

Die Technik brachte Systeme zur Erweiterung des Menschen hervor, die es ermöglichen, unsere physischen Fähigkeiten und Sinneswahrnehmungen zu steigern. Wir haben uns daran gewöhnt, in einem Umfeld zu leben, in dem digitale Geräte als Erweiterung von uns selbst, unserer Fähigkeiten und unserer Wahrnehmung dienen. Die Entwicklungen im Bereich der künstlichen Intelligenz verschieben diese Grenzen weiter, sodass unsere Geräte auch zu einer Spiegelung von uns selbst werden – wir passen uns der Technologie an und entwickeln vice versa eine Technologie, die sich uns anpasst. Unsere Beziehung zur Technologie verwandelt sich in dem Maße, in dem sich die Grenze zwischen Technologie als Erweiterung des Menschen oder äußere Entität verschiebt, wodurch die Unterscheidung, wann technische Systeme Teil von uns werden und wann sie als Fremdkörper wahrgenommen werden, aufgehoben wird. Entwicklungen im Bereich Robotik provozieren Reaktionen, die tief in der menschlichen Natur verwurzelt sind; sie initiieren durch anthropomorphisierte Formen und Handlungen einen Dialog des Überzeugens, Beschwichtigens, der Hilfestellung oder des Vergnügens, während eine avantgardistische Medienproduktion hinterfragt, was Menschsein im Kontext einer zunehmend digitalen Welt bedeutet. Durch unterschiedliche Forschungsmethoden versuchen die präsentierten Projekte, kritische Fragen zum Verständnis des Menschseins und unserer Identität im Kontext von Technologie aufzuwerfen.

Materialität

Trotz all der neuen Dimensionen, die uns die virtuelle Welt eröffnete, erfreuen wir uns nach wie vor intuitiv am Physischen – Taktilen, Greifbaren, Berührbaren, am Material –, das uns erlaubt, unsere Sinne und das unserem Körper innewohnende Wissen über die uns umgebende Welt zu nutzen. Seit über einem Jahrzehnt nimmt das Media Lab eine Spitzenstellung ein, was das Verständnis und die Erneuerung der Stellung der Technologie in der gebauten Umwelt sowie die Bedeutung der Physikalität in unserer Erfahrung mit digitalen Systemen anbelangt. Die Idee zu *Tangible Bits*, also Daten zum Anfassen, die die reale und die digitale Welt nahtlos verbinden, entstand am Media Lab. In mancher Hinsicht verkörpert das Media Lab selbst die Bedeutung von Physikalität, es steht für eine Kultur des *learning by doing*, einen kinästhetischen Ansatz, der dadurch gekennzeichnet ist, dass sich als Ergebnis einzelner Bestrebungen Ideen materialisieren, die unsere Vorstellungskraft übersteigen. In Zukunftsvisionen zur Interaktivität, wie programmierbare Materie und radikale Atome, beginnt sich die Materialkunde im Nanobereich mit Konzepten der Interaktivität zu vermischen und Materialien zu antizipieren, die so formbar, programmierbar und dynamisch sind wie Pixel auf dem Bildschirm. Die neue Materialität ist untrennbar mit der Erneuerung von Produktionsprozessen verbunden, wobei sich die Frage stellt, wie die Veränderung des Herstellungsprozesses auch die hergestellten Dinge selbst verändert. Die Designer, Künstler und Wissenschaftler, die am Lab an neuen Methoden zur Kombination von Informationsverarbeitung und Materialität arbeiten, sind herausgefordert, unser Verständnis von den Möglichkeiten der materiellen Welt zu verändern, während sie gleichzeitig Erfahrungen schaffen, die vertraut, angenehm und stimulierend sind.

Wie alle Projekte am MIT Media Lab entziehen sich die präsentierten Arbeiten jeder disziplinären Zuordnung und zeigen eine Verflechtung der Standpunkte, des Wissens und der persönlichen Motivationen der Künstler. Mit der Ausstellung *IMPETUS* sollen die Vielfalt und die wesentlichen Ambitionen der MIT-Gemeinde erfahr- und interpretierbar gemacht werden.

Alle Projekte von IMPETUS: Works from the MIT Media Lab ansehen

Eröffnung:
Do 3.9.2009 15.30 uhr

Öffnungszeiten:
Do 3.9. -Di 8.9. 10:00 – 19:00 Uhr

DIY Style Interaction Projects by Interface Cultures Student Projects at Ars Electronica 2009
Curated by Christa Sommerer (AT) & Laurent Mignonneau (AT)

„The Royal Interface Culture Masquerade Ball“—DIY-Stil Interaktions-Projekte von Interface-Cultures-Studentenprojekten bei der Ars Electronica 2009

Christa Sommerer, Laurent Mignonneau, Dietmar Offenhuber, Michaela Ortner, Varvara Guljajeva

Die diesjährigen Studentenprojekte aus dem Studienfachbereich Interface-Kulturen umfassen eine Vielzahl an interaktiven Projekten und Prototypen, die in dem vergangenen Studienjahr entwickelt wurden. Sie kreisen um Themen wie interaktive Kunst, audiovisuelle Installationen, tragbare Technologie-Projekte, Spiel-Interfaces, Informationsvisualisierung und Konzeptwerke. Weibel konstatiert in 2008: „Im Zeitalter von Youtube.com, Flickr.com, MySpace.com und Second Life verlieren Künstler ihr Monopol auf Kreativität. Durch den Gebrauch von modernen Medien kann jeder künstlerisch kreativ sein.“¹ In unserem Fachbereich können wir eine starke Tendenz hin zu Do-It-Yourself (=DIY)-Interface-Projekten beobachten. Künstler und Designer beteiligen sich hierbei an einer kurzzeitigen Zusammenarbeit und tauschen ihren Code und ihre Interface-Designs im Internet mit einer Peer-Community aus. Allerdings beobachten wir auch einen Trend zu traditionelleren Vorstellungen von Kunst, bei denen es darum geht, einzigartige Beispiele interaktiver Kunst zu erschaffen, die eine starke künstlerische und konzeptuelle Botschaft vermitteln. Im Rahmen dieser Dichotomie zwischen dem total offenen und dem eher geschlossenen System sind die Werke zu betrachten, die in der diesjährigen Studentenausstellung präsentiert werden.

Für das Format der Ausstellungsorganisation haben wir uns entschieden, durchgehend die Metapher DIY zu verwenden. Studenten führen nicht nur ihre eigenen Projekte durch, sondern organisieren gemeinsam das Ausstellungsdesign, die kuratorische Ausrichtung, die Flyer, Poster und PR-Materialien. Der Begriff „The Royal Interface Culture Masquerade Ball“ wurde von den Studenten als Thema der Ausstellung gewählt. Die Bandbreite reicht von roten Teppichen über Rahmen im viktorianischen Stil bis hin zu weißen ‚Theater‘-Masken, die den Besuchern in der Ausstellung (dem Ball) getragen werden, und Abendgarderobe, die von Studenten getragen wird. Das diesjährige Thema soll die moderne Technologie einer altmodischen Ball-Kulisse gegenüberstellen, um eine ein wenig opulente Atmosphäre zu erzeugen, wo sich neu und alt treffen. Treten Sie ein in eine ununterbrochene Maskerade, nur um dann von Ihren Begierden gefangen zu sein. Die große Ausstellungshalle bietet Gästen einen Ort der Ruhepause während des Festivals, mit opulenten Tischen und Stühlen und ganztägigen Performances von Künstlern. Das Ergebnis dieser Ausstellung ist ein Lernprozess an sich. Es sollte Studenten dafür sensibilisieren, wie komplex es ist,  Szenarien für die Präsentation von interaktiven Projekten zu erschaffen, die das Publikum in Bereichen wie Kunst, Szenografie und interaktivem Design vor Herausforderungen stellt.

Als Gastgeber des 1. Inaugural Royal Interface Culture Ball laden wir Sie ein, opulente Räume, Kunst, Performance und Anonymität zu erleben.

¹ Peter Weibel, YOU_niverse, Ausstellungskatalog, Sevilla: „Bienal de Arte Contemporaneo de Sevilla“, „Fundacionbiacs“, 2008, S. 16-26

Alle Projekte von The Royal Interface Culture Masquerade Ball ansehen

Sa 5.9.
10:00 – 00:00

Hauptplatz

Das Japan Media Arts Festival ist ein seit 1997 jährlich stattfindender Event, bei dem kreative Werke aus den Bereichen Kunst, Entertainment, Animation und Manga mit Preisen ausgezeichnet werden.

„JAPAN GAME“ konzentriert sich auf den Aspekt von Entertainment in der japanischen Medien-Kunst und zeigt die ausgewählten preisgekrönten Spiele des Japan Media Arts Festival 2009. Alle Spiele aus den Bereichen Sport, Musik, Abenteuer etc. können gespielt werden. Nachts werden die Spiel-Turniere auf einem großen Bildschirm gezeigt. Wir hoffen, dass das Publikum daran Freude hat und sich auf den künstlerischen Ausdruck und die Ähnlichkeit zwischen Medienkunst und den Spielen konzentriert.

Das Japan Media Arts Festival hat kurz gesagt zwei Ziele.

Eines besteht darin, neue Rahmenbedingungen und Werte der Kultur im Einklang mit den zeitlichen Veränderungen zu benennen, ohne an existierenden kulturellen Hierarchien festzuhalten. Deshalb wissen wir nicht nur Medienkunst zu würdigen, sondern auch Animation, Manga und Entertainment-Werke wie z.B. Spiele.

Zweitens sind wir dabei behilflich, dass neue Ausdrucksweisen und Kultur sich im Allgemeinen etablieren und mit dem Fortschritt der digitalen Kommunikationstechnik und – Technologie wachsen. Es mag die Meinung herrschen, dass die neue Kultur in keinerlei Verbindung zur traditionellen Kultur steht, aber das Japan Media Arts Festival hat versucht, diese Kluft zu überwinden. Wir glauben, dass diese Aktivität dabei hilfreich ist, dass in diesem neuen Bereich der Kultur etwas Neues heranwächst.

Alle Projekte von Japan Media Art Festival ansehen

Landesgalerie Linz

www.landesgalerie.at

Die Landesgalerie Linz präsentiert die bislang umfangreichste Ausstellung von Sabine Bitter und Helmut Weber in Österreich. Die gemeinsame Arbeit
der beiden in Oberösterreich geborenen Kunstschaffenden verbindet seit den späten 1980er-Jahren einen selbstverständlichen Zugriff auf unterschiedlichste Medien und Bildtechnologien mit einer gegenwartsbezogenen Form der Konzeptkunst.

Öffnungszeiten
Mo – Fr 09:00 – 18:00 Uhr
Sa 09:00 – 12:00

Landesbibliothek Linz, 4021 Linz, Schillerplatz 2

www.kunstraum.at; www.annelorenz.ch

„Deep Inside“ ist eine 3-Kanal-Videoinstallation mit Ton, die von der international tätigen Künstlerin Anne Lorenz gemeinsam mit der Landesbibliothek für deren NutzerInnen und eine interessierte Öffentlichkeit geschaffen wurde. „Deep Inside“ öffnet den Blick auf das Innenleben der Bibliothek und zeigt ihre unterschwellige Psychologie.

„Der Kranke Hase//verrückt nach Linz”, initiiert von Susanne Blaimschein und Beate Rathmayr // KunstRaum Goethestrasse xtd, pro mente OÖ, realisiert in Kooperation mit Linz09 Kulturhauptstadt Europas.