Wenn jemand zu viele Fehler macht, ist Deltu verärgert und entscheidet sich dazu, diese Person zu ignorieren. Er wird frustriert das Spiel verlassen, ein paar Selfies machen und auf Instagram posten.

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Supported by ECAL, École cantonale d’art de Lausanne

Diese Interaktionen zwischen den multidimensionalen Daten aus den Archiven werden ihrerseits in eine immersive Medieninstallation verwandelt. Archive Dreaming, das erstmals bei SALT Galata präsentiert wurde, ist anwendergesteuert; doch immer wenn sich die Installation im Ruhezustand befindet, „träumt“ sie von unerwarteten Zusammenhängen zwischen den Dokumenten.

Für dieses Projekt wurde ein temporärer architektonischer Raum geschaffen, der als leere Fläche für ein Band aus Licht und Daten dient und welcher ein mit maschineller Intelligenz visualisiertes Archiv repräsentiert. Ein neuronales Netzwerk wird mit Bildern von Dokumenten so trainiert, dass Archive Dreaming Erinnerung, Geschichte und Kultur in einen neuen Zusammenhang stellt, der dem Verständnis von einem Museum für das 21. Jahrhundert entspricht.

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Als Teil des von L‘Internationale organisierten Fünf-Jahres-Programms The Uses of Art – The Legacy of 1848 and 1989 wurde Archive Dreaming mit Unterstützung von Googles Programm AMI – Artists and Machine Intelligence umgesetzt.

SALT Research and programs: Vasıf Kortun, Meriç Öner, Cem Yıldız, Adem Ayaz, Başak Çaka, Merve Elveren, Ari Algosyan, Dilge Eraslan, Sani Karamustafa

Google’s AMI program: Mike Tyka, Kenric McDowell, Andrea Held, Jac de Haan

Refik Anadol studio members and collaborators: Raman K. Mustafa, Toby Heinemann, Nick Boss, Kian Khiaban, Ho Man Leung, Sebastian Neitsch, David Gann, Kerim Karaoglu, Sebastian Huber

Während die Zeit vorbei eilt, flüchten Menschen unermüdlich aus ihrem Gefängnis und sind gleichzeitig körperlos. Als „körperlose Menschen” haben wir das Ich zurückgelassen. Laut Marshall McLuhan ist der Leib eines körperlosen Menschen in der physischen Welt noch vorhanden – jedoch könnten sich sein Ich und seine Identität an einem anderen fiktiven elektronischen Ort befinden. Unbewusst verwerfen wir unser Ich in einer unsichtbaren und unaufhörlichen Phase des Erwachsenwerdens.

Für uns ist vorgesehen, an einem bestimmten Ort mit einer bestimmten Hautfarbe geboren zu werden und eine bestimmte Sprache zu sprechen. Aus irgendeinem Grund beginnen wir, unsere Wurzeln zurückzulassen und uns Mainstream-Kulturen zuzuwenden. Kindliche Gespräche mit der Mutter ähneln den Gesprächen mit uns selbst. Die Muttersprache und ihr reiner Geist sind heutzutage nichts mehr wert. Wirst du mir bitte immer noch zuhören, wenn ich eine Geschichte aus meiner Kindheit in meiner eigenen Sprache erzähle?

L’Enfant lädt das Publikum ein, eine verborgene, künstlich erzeugte Welt zu betreten. Während der Performance werden die Szenen und die Reaktionen des Publikums mithilfe einer Drohne gefilmt. Die aufgenommenen Bilder werden auf eine Leinwand projiziert und durch Programmierung interaktiv gemacht.

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Project mentor: Mikael Fock
Directors (digital artists): I-Chun Chen, He-Lin Luo
Sound designer: Jin-Yao Lin
Producer: Ruei Yen

Technical director: Chia-Sheng Chu
Stage Manager: Hong-Ting Xie
Lighting designer: Shawn Lee
Sound engineer: TP Chen

Advised by the Ministry of Culture of the Republic of China
Presented by Quanta Art Foundation, QA Ring and Ars Electronica
Associated with Liang Gallery

Sponsored by Quanta Computer

Dazu nahm Guy Ben-Ary eine Gewebeprobe von seinem Arm, kultivierte die Hautzellen und transformierte sie mithilfe der IPS-Technologie in Stammzellen. Diese wurden in neuronale Netzwerke differenziert, die über eine Multi-Elektroden-Array-Schale (MEA) gezüchtet wurden, um als „externes Gehirn” des Künstlers zu agieren. Die MEA-Schalen bestehen aus einer Matrix aus 8 x 8 Elektroden. Diese können die elektrischen Signale der Neuronen aufzeichnen und Stimulationen an die sie zurücksenden – sie sind also eine Art Lese-Schreib-Schnittstelle zum „Gehirn”.

MusikerInnen sind eingeladen, mit cellF zu spielen. Die von Menschenhand erzeugte Musik wird den Neuronen als Stimulation eingespeist. Die Neuronen antworten, indem sie den Synthesizer kontrollieren. Gemeinsam performen sie live reflexive, improvisierte Klangstücke, die nicht gänzlich von Menschen gemacht sind. Der Sound wurde für sechzehn Lautsprecher räumlich aufbereitet: Die Aktivitätsbereiche der MEA-Schale werden klanglich auf die Lautsprechermatrix übertragen. Wer sich in diesem Klangraum bewegt, spaziert also symbolisch in Guy Ben-Arys äußerlichem Gehirn.

cellF wurde initiiert und geleitet vom Künstler Guy Ben-Ary. Das Projekt ist das Ergebnis einer Kollaboration zwischen Ben-Ary, dem Designer und Medienkünstler Nathan Thompson, Elektroingenieur und Erbauer von Synthesizern Dr. Andrew Fitch, Musiker Dr. Darren Moore, Neurowissenschaftler Dr. Stuart Hodgetts, Stammzellenforscher Dr. Michael Edel und Neuro-Ingenieur Dr. Douglas Bakkum. Alle Betragenden spielten eine wesentliche Rolle in der Gestaltung des Ergebnisses.

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The project is supported by the Australia Council for the Arts and the Department of Culture and the Arts WA.

The project is hosted by SymbioticA @ the University of Western Australia.

Ad Infinitum heftet sich an neugierige BesucherInnen wie ein Parasit, sobald diese das Handstück der Kurbel greifen. Der Parasit hält deren Arm fest, indem es Manschetten aus Plexiglas absenkt, die gleichzeitig Elektroden am Arm anbringen. Die Armmuskeln werden mit kleinen elektrischen Impulsen stimuliert. Diese Impulse verursachen eine unfreiwillige Kontraktion der Muskeln und dadurch eine automatische Bewegung der Kurbel, welche kinetische Energie erzeugt. Der Parasit saugt diese Energie auf, um die Interagierenden weiterhin elektrisch zu stimulieren und Kurbelbewegungen zu erzeugen. Der einzig verbleibende Ausweg für die TeilnehmerInnen ist es, jemand Anderen dazu zu verleiten auf der gegenüberliegenden Seite der Maschine Platz zu nehmen.

Der Versuchsaufbau erinnert daran, dass am Scheitelpunkt von künstlich denkenden Maschinen nicht mehr allein die NutzerInnen stehen. Der Schock, den wir in unseren Muskeln spüren, verursacht eine unfreiwillige Geste, die unsere komplexe Beziehung zu ungeheuren uns umgebenden Technologien, anerkennt.

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http://www.a-parasite.org

Vielen Dank an Astrid Thomschke

Unterstützt von Hasso Plattner Institute & VIDA16 Incentive Award

Dazu forschte die Künstlerin bei der Europäischen Weltraumagentur. Dort stattete sie eine robotische Einheit, genannt NoodleFeet so aus, dass sie mit ihrer Umgebung auf persönliche, ausdrucksstarke Weise interagierte. Ziel des Projekts war es, WissenschaftlerInnen und IngenieurInnen zu Reflexionen über Zweck und Identität von Weltraumtechnologien zu motivieren.

NoodleFeet ist die funktionierende robotische Manifestation einer illustrierten Figur, die aus Leichtmetall, 3D-gedruckten Teilen und gefundenen Objekten besteht. Noodle besteht aus mechanischen und elektronischen Systemen, die es ihm erlauben, Verhaltensweise auszuführen wenn er von Objekten in seiner Umgebung dazu stimuliert wird. Seine Bestimmung besteht darin, frei in der Welt zu existieren und auf Begegnungen zu reagieren, indem er selbstdefinierende Methoden des persönlichen Ausdrucks nutzt. Während Technologie meist einen praktischen oder utilitaristischen Ansatz verfolgt und uns Menschen unterstützen soll, bildet Noodle eine einzigartige Entität, die ganz für sich selbst funktioniert. Dabei spielt es keine Rolle, ob der Mensch ihm einen Zweck oder Nutzen zuspricht oder nicht. Die Künstlerin will damit unsere Motivationen hinter aktuellen Innovationen in Frage stellen und hofft, dass jene, die mit Noodle interagieren, bei ihm ein sinnstiftendes Gefühl für ein Selbst erkennen und dadurch überdenken, welchen Wert sie ihrer Beziehung zu Alltagstechnologien beimessen.

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This project is presented in the framework of the European Digital Art and Science Network and co-funded by the Creative Europe program of the European Union.

Dragan Ilić (RS/AU/US)

A3 K3 bietet eine einzigartige interaktive Erfahrung: Kunstwerke werden mittels Maschinentechnologie und Publikumsbeteiligung geschaffen. Dragan Ilić nutzt dazu ein komplexes System aus Brain-Computer-Interfaces (BCI), indem er einen Hightech-Roboter via State-of-the-Art-Technologie mit seinem Gehirn kontrolliert.

ZuschauerInnen können die BCI-Technologie ausprobieren. Unterstützt vom Roboter zeichnen und malen der Künstler und das Publikum auf einer vertikalen und einer horizontalen Leinwand. Der Roboterarm ist mit DI (Dragan Ilić)-Zeichengeräten bestückt, die verschiedene künstlerische Medien halten und manipulieren und attraktive, großformatige Kunstwerke erschaffen. Dragan Ilić liefert damit einen Kontext, in dem Menschen ihre künstlerischen Fähigkeiten weiterentwickeln und augmentieren können. Dank der Unterstützung durch g.tec wird Ilić auch weiterhin zur Interaktion zwischen AI-Systemen und Mensch im kreativen Prozess forschen.

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This program is supported by g.tec and GV Art London.

Unsere interaktive Installation thematisiert die weit verbreitete gesellschaftliche Angst, dass Roboter Menschen die Arbeit wegnehmen werden. Beim Weltwirtschaftsforum wurde prognostiziert, dass Roboter in den kommenden fünf Jahren fünf Millionen Jobs übernehmen werden. Wir haben optimistischere Zukunftsvorstellungen und glauben, dass Roboter Menschen nicht ersetzen, sondern vielmehr fördern und ergänzen. Im Allgemeinen sind Roboter wie Mimus von den Menschen völlig abgesondert und erledigen eintönige Aufgaben am Fließband. Mit Mimus zeigen wir, wie die Integration ausgeklügelter Software in branchenüblicher Hardware unsere Beziehung zu diesen komplexen und oft gefährlichen Maschinen von Grund auf neu definieren kann. Wir zeigen eine Zukunft, in der Roboter nicht als Gegner des Menschen betrachtet werden und autonome Maschinen wie Mimus zu Gefährten werden, die eine friedvolle Koexistenz mit uns auf diesem Planeten führen.

Industrieroboter bilden die Grundlage der robotischen Infrastruktur und haben sich in den vergangenen 50 Jahren kaum verändert. Mit Mimus präsentieren wir das bislang ungenutzte Potenzial dieser altvertrauten industriellen Technologie, mit und nicht gegen Menschen zu arbeiten. Unsere Software demonstriert, wie kleine strategische Veränderungen eines Automatisierungssystems ein tonnenschweres Maschinenungeheuer dazu bringen können, seinen Platz am Fließband, wo es z.B. mit Punktschweißen im Fahrzeugbau beschäftigt ist, zu verlassen, um neugierig und lebhaft wie ein junger Hund einem Kind in einem Museum nachzulaufen. Wir hoffen, zeigen zu können, dass trotz unserer kollektiven Ängste vor Robotern auch Potenzial für Empathie und Freundschaft zwischen Mensch und Maschine besteht.

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Madeline Gannon ist Gründerin und leitende Forscherin des ATONATON-Entwicklungsteams: Madeline Gannon, Julian Sandoval, Kevyn McPhail, Ben Snell
Unterstützt von: Autodesk, ABB Robotics, and The Studio for Creative lnquiry

Über die Künstlerin

Madeline Gannon (US) ist eine Designerin mit interdisziplinärem Ansatz, die an der Schnittstelle von Kunst und Technologie arbeitet. Sie leitet das Forschungslabor ATONATON, das sich zum Ziel gesetzt hat, die Kommunikation mit Maschinen zu optimieren. Gannon designt und implementiert innovative Instrumente, mit denen die Zukunft digitaler Fabrikation erforscht wird. In ihren Arbeiten verbindet sie Kenntnisse aus Design, Robotik und Mensch-Computer-Interaktion, um Innovationen an den Rändern digitaler Kreativität zu schaffen. Derzeit schließt sie das Studium Computational Design an der Carnegie Mellon University ab, wo sie Techniken für digitales Design und die Herstellung von Wearables am und um den Körper entwickelt.

Lesen Sie mehr auf: starts-prize.aec.at.

This project is presented in the framework of the STARTS Prize 2017. STARTS Prize received funding from the European Union’s Horizon 2020 research and innovation programme under grant agreement No 732019.