The Contemporary Art Television Fund


'Kathy Rae Huffman Kathy Rae Huffman

Mit der Schaffung des Contemporary Art Television Fund konnte ein einzigartiges Konzept verwirklicht werden, mit dessen Hilfe Videoproduktionen in das öffentliche Fernsehen gebracht werden sollten. Der Fonds wurde 1983 errichtet, mit einem auf drei Jahre festgelegten Engagement des Massachusetts Council on the Arts and Humanities, New Works Development Award Program; die Zusammenarbeit zwischen dem Institute of Contemporary Art, Boston (ICA) und WGBH TV, Boston, vereinte das Fachwissen und die Geldmittel von zwei bedeutenden amerikanischen Institutionen, deren Unterstützung zeitgenössischer Kunst (besonders der Videokunst) allgemein anerkannt war. Der Traum vom CAT FUND war ein globaler, einmalig in der Leitungsstruktur; der Dreijahresentwicklungsplan spiegelte die ehrgeizigen Zielsetzungen seiner Urheber wider. Da es keinerlei ähnliches Modell für die internationale Ausweitung des Fernsehens zum kreativen Medium gab, mußte der CAT FUND bei seiner Anfangsfinanzierung sehr umsichtig vorgehen und forderte von seinen Direktoren höchste Standards und ästhetische Sensibilität. So wurde ganz bewußt die kreative Leitung in die Hände eines "Kurators", der über Erfahrungen mit dem institutionellen Netzwerk der Videokunst und mit den international bekanntesten Künstlern verfügte, und "Produzenten" gelegt, der mit den Produktionserfordernissen der Künstler und des Fernsehens vertraut war. Die Funktion des "Kurator/Produzenten" unterstreicht also die zweifache Aufgabenstellung. Auffinden von und Auftragserteilung für ungewöhnliche, neue und bedeutende Video-Kunstwerke und Erleichterung der professionellen Produktion, Ausstrahlung und weitestmöglichen Verbreitung dieser Werke auf neuen Märkten, für neue Publikumsschichten.

Mit diesem neuartigen Versuch, Künstler mit dem Fernsehen zusammenzuführen, schlägt CAT FUND eine Brücke über jene Kluft, die sich ständig verbreitert hat, seit die ersten Künstler die Fernsehstudios von WGBH Boston betreten haben. Die ersten dieser "Experimente" waren visionäre Versuche, vor der Einführung des Portapack-Systems das Fernsehen und die Geheimnisse der Technik neuen und zeitgenössischen Konzeptkünstlern, Schriftstellern, Tänzern und Musikern zu öffnen. Unter der Leitung von Fred Barzyk wurden diese Beziehungen 1974 im "New Television Workshop" formalisiert, fünf Jahre nach der ersten landesweiten Ausstrahlung von "The Medium is the Medium", das bei WGBH produziert worden war. Diese frühen Studio-Experimente boten so bekannten Künstlern wie John Cage, Merce Cunningham, Allan Kaprow, Peter Campus und Nam June Paik erste praktische Erfahrungsmöglichkeiten. Auch andere Künstler wie William Wegman und Bill Viola beteiligten sich an dem Workshop-Programm und wurden später Pioniere des Mediums. In den späten sechziger und frühen siebziger Jahren war die Videokunst – im Fernsehstudio entstanden – mit der Verfügbarkeit tragbarer Geräte notwendigerweise in den Ateliers der Künstler entwickelt worden; die außerhalb des Fernsehens produzierten Werke wurden zu einer Kunstsparte, die in den folgenden Jahren das Interesse von Kritik, Kunstwelt und Fernsehen fesseln würde. Diese Kunstform widersetzte sich stets der Kategorisierung und unterminierte die unmittelbare Notwendigkeit fernsehunterstützter Produktion. Zu jener Zeit erforschten die Künstler die Grenzen des Mediums und ihre persönlichen Beziehungen zur Video-Technologie.
Mit wachsendem Interesse der Künstler an der Technologie wurden mit Bundeszuschüssen (NEA) und großzügiger Unterstützung der Rockefeller Foundation in Form der Media Art Centers – regional in großstädtischen Bereichen der USA errichtet (San Francisco, Long Beach, New York, Chicago) Systeme entwickelt, um auf demokratische Art und Weise den Künstlern den Zugang zu hochentwickeltem Gerät zu ermöglichen. Die Media Art Centers (MAC's) waren auch dazu gedacht, Film- und Videoprogramme für die Öffentlichkeit zu gestalten, Informationen zu sammeln und die Ausstrahlung über die öffentlichen Fernsehnetze und über das Kabelfernsehen zu ermöglichen – man kann sagen, mit ziemlich großem Erfolg. Zwischen 1972 und 1984 leistete WNET in New York technische Hilfe durch das Projekt "TV Lab", mit Möglichkeiten der "on-line"-Bearbeitung und Ausstrahlung von Videokunstwerken für das New Yorker Publikum. WGBH's "New Television workshop" bot Tänzern und Choreographen, visuellen Künstlern, Schriftstellern und Musikern finanzielle Unterstützung und technische Produktionsmöglichkeiten. In diesen Programmen wurde der Zugang zum Fernsehen durch Fernsehspezialisten hergestellt; sie waren auf ihre eigene Weise kreativ, standen aber gleichzeitig innerhalb des Systems, das die Standards der Sendungen im Wettbewerb mit dem kommerziellen Fernsehen aufrechtzuerhalten hatte.

Das öffentliche Fernsehen in Amerika wird vom privaten Sektor und aus Bundesmitteln unterstützt, die nach einem komplexen Beurteilungssystem zuerkannt werden. Es ist dies ein demokratisches System, das Bemühungen belohnt, große Publikumsschichten zu erreichen. Minderheitenstandpunkte zu vertreten und erzieherische Aufgaben für ein großes, heterogenes Publikum zu erfüllen. In ähnlicher Weise unterliegt die nationale Programmgestaltung dem gleichen Prinzip, wobei es den einzelnen öffentlichen Fernsehanstalten freisteht, nationale Programme zu produzieren oder zu übernehmen. Diese Entscheidungen fallen oft unter Berücksichtigung der auf lokaler Ebene gewährten Unterstützungen – der Zuseher, die ihren öffentlichen Fernsehstationen Geldmittel zufließen lassen. Die achtziger Jahre brachten neue Problembereiche für die öffentliche Finanzierung von "experimentellem" Fernsehen, wozu auch die Produktion durch Künstler zählt. Das "TV Lab" von WNET beendete 1984 seine Tätigkeit und so sah sich WGBH TV-New Television workshop mit einem Mangel an Produktionsmitteln konfrontiert, der zu einem Verlust jener Vitalität führte, deren er sich früher erfreut hatte. Kommerzielle Produktionsgesellschaften produzierten mit neuestem technischen Gerät, das sich die öffentlichen Anstalten nicht leisten konnten, und Künstler suchten anderswo nach Unterstützung und Anerkennung für ihre kreativen Anstrengungen.

Die Schaffung des CAT FUND zu einem Zeitpunkt, als die Zusammenarbeit der Künstler mit dem amerikanischen Fernsehen an einem absoluten Tiefpunkt angelangt zu sein schien, unterstreicht die Entschlossenheit der "Mutter-Organisationen" (ICA und WGBH), die Anwesenheit der Künstler im Fernsehen zu gewährleisten und gleichzeitig die Zusammenarbeit mit anderen Institutionen zu fördern. Den Schlüssel zur endgültigen, finanziell unabhängigen Struktur in der langfristigen Planung des CAT FUND bildete die Entwicklung eines nationalen und internationalen Forums für Marketing und Vertrieb der von ihm produzierten Video-Kunstwerke. Verkauf und Verleih sollten schließlich die finanzielle Grundlage bilden und die Betriebskosten für das Programm decken. Von der Gesamtzielsetzung, nämlich der Vergrößerung des internationalen Publikums für Videokunst durch eine Vielzahl von Verbreitungsformen (lokale, nationale und internationale Ausstrahlung, Kabel, Heimvideo und Ausstellungen) können sich die Künstler auch Einkommenszuwächse erwarten. Der CAT FUND hat solide Wirtschaftsbeziehungen zu Marketingspezialisten hergestellt, die sich für das Programm von unschätzbarem Wert erwiesen haben. Internationale Fernseh-Verkäufe werden von der "Producer Service Group" (PSG) gemanagt und sind u.a. bei MIFED, MIP und "London Multi-Media Market" vertreten. Marketing-Strategien zur Einführung der künstlerischen Arbeiten in "National Cable" und in den Heimvertrieb sind eingeleitet, zusätzlich zu den etablierten Bildungs-Verteilersystemen, für künstlerisches Video. Traditionell lagen Marketing und Vertrieb von Video außerhalb der Interessen von Museen – und wurden vom Fernsehen als Produkt von "geringem Publikumsinteresse" betrachtet.
Die erste nationale "Serie" kreativen Fernsehens, mit Werken von Künstlern, wurde dem amerikanischen Publikum 1985 vorgestellt; es war dies "Alive from Off Center", produziert von der öffentlichen Fernsehanstalt KICA in Minneapolis. Wegen des großen Erfolges ist für 1986 eine zweite Serie vorgesehen, die auch zwei Koproduktionen des CAT FUND enthalten wird ("The World of Photography" von Michael Smith & William Wegman, und ein neues Fernsehwerk von Laurie Anderson). Diese Serie ist ein multidisziplinärer Programmansatz mit einem jungen Zielpublikum (unter 50) und medien-gewohnten Zusehern. Auf internationaler Ebene produzieren und senden Channel Four (Großbritannien), ZDF (Bundesrepublik Deutschland), und RTBF (Belgien) neue Werke von Künstlern. Der CAT FUND arbeitet mit diesen langjährigen kreativen Produzenten zusammen und zeigt damit, daß die Verteilung ein wichtiger Faktor der möglichen internationalen Koproduktion ist, die sich in den kommenden Jahren aus gemeinsamen Interessen entwickeln wird. Die Arbeit zeitgenössischer Künstler ist für ein "Publikum" von Interesse ein Publikum, das erkennt, daß die Künstler die Bandbreite des Fernsehens erweitern und eine neue Definition des Ausstrahlungs-Mediums schaffen können, in dem alternative Methoden zur Erfassung des Publikums mit eingeschlossen sind.

"THE CONTEMPORARY ART TELEVISION FUND"
PROGRAMMBESCHREIBUNGEN FERTIGGESTELLTER WERKE

PROGRAMMBESCHREIBUNGEN VON IN PRODUKTION BEFINDLICHEN WERKEN: